A coluna nasce da necessidade de se criar e ocupar um espaço no jornal que proponha o debate, a crítica e a divulgação sobre as artes, no contexto da arte contemporânea. Fernando Augusto, artista visual e professor da UFES e Flávia Dalla Bernardina, advogada e curadora de arte, provocados pelo Folha Vitória, conduzem esta coluna semanal, onde junto a um time de colaboradores do Espírito Santo e de outros estados brasileiros, publicarão às terças-feiras textos sobre arte, fazendo conexões com diversas áreas do conhecimento.
A coluna nasce da necessidade de se criar e ocupar um espaço no jornal que proponha o debate, a crítica e a divulgação sobre as artes, no contexto da arte contemporânea. Fernando Augusto, artista visual e professor da UFES e Flávia Dalla Bernardina, advogada e curadora de arte, provocados pelo Folha Vitória, conduzem esta coluna semanal, onde junto a um time de colaboradores do Espírito Santo e de outros estados brasileiros, publicarão às terças-feiras textos sobre arte, fazendo conexões com diversas áreas do conhecimento.
Arte
“Será a primeira vez que falarei em público sobre as colheres. Acho que será uma boa oportunidade para trocar impressões sobre experiências pessoais, incluindo as relacionadas com o aproveitamento das nossas habilidades e de alternativas para aproveitar o nosso tempo com coisas que nos proporcionam satisfação”, afirma o colhereiro.
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Não se trata de um filme dilacerante e nem se vale de apelos catárticos. “Dias perfeitos” é enxuto, cheio de interditos e entrecortado por pequenas belezas cotidianas, que traz o fino diálogo entre cinema e psicanálise, e mostra uma maneira outra de se movimentar no mundo, uma espécie de contenção que deposita em cada gesto um sentido próximo ao sublime, uma forma de capturar o silêncio das coisas a partir de filigranas. Essa pura alteridade, um jeito de fazer-se sujeito de sua história, o abismo geracional, dentre outras sutilezas, parecem render homenagem ao cinema de Yasujiro Ozu.
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X Colóquio de Arte e Pesquisa dos Alunos do PPGA da UFES - COLARTES 2024: CONDUÇÕES DA CONTEMPORANEIDADE
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Em síntese, a obra de arte não nasce da combinatória automática de dados disponíveis num arquivo potencialmente infinito e sim do embate necessário com uma condição de existência, a princípio, brutal e incompreensível. Ela não surge da abundância e sim da penúria, como resposta ao vazio, à falta e ao desamparo. As inteligências artificiais não concebem arte porque não podem sentir esse drama, nem possuir o arbítrio necessário para oferecer a ele uma resposta. O máximo que podem fazer, nas suas operações automáticas, é trocar a simbolização pela programação, o embate existencial pela combinatória e o significado pelo efeito.
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Mais além, sentidos e ativados, com interação e movimento. Há um caminho vivo que se faz na percepção de si e do Outro. Através da imagem mantém-se uma consciência do infinito, do eterno dentro do finito, do espiritual dentro da matéria. A arte é para todos e todas, e se dirige na esperança de criar impressões para ser sentida, por meio da energia que o artista deixa impregnado.
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Ao apreciar o grafite de Kelly Reis, percebo a importância de adotar uma perspectiva decolonial. É possível que você, assim como eu, talvez nunca tenha ouvido falar em Leodegária de Jesus antes. Isso nos impulsiona a reconsiderar e ampliar nosso conhecimento sobre figuras fundamentais da cultura negra, frequentemente esquecidas ou negligenciadas nos ambientes tradicionais de educação e cultura. Atribuir uma identidade visual à escola não apenas introduz arte à comunidade escolar, mas também fomenta um senso de pertencimento ao local.
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Diante de um mundo prestes a entrar em colapso, onde notícias sobres guerras e catástrofes nos assombram a todo momento, parecemos estar diante de uma humanidade dividida entre trabalhadores cansados de tanta exploração, céticos quanto a um futuro melhor, e certos de que o melhor é aproveitar os prazeres da vida que estão ao seu alcance, e por outro lado esse modelo de rico infantilizado, incapaz de lidar com as emoções, tomar decisões, e afundados em excessos de toda sorte. E é no sexo e nas drogas que todos acabam se encontrando.
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O trabalho se desdobra em seis momentos ou encruzilhadas, como o texto nomeia: o mar, o mangue, a floresta, o sertão, a cidade e o fim do mundo. Nessas encruzilhadas estão os “corpos de mulheres que não adequam ou mesmo rejeitam o que se convencionou como feminino – docilidade e delicadeza, instinto maternal e pureza, subserviência e fragilidade, passividade e sujeição”.
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O Parque Cultural Casa do Governador abre, na próxima quarta-feira (28), com o lançamento de 15 novas obras de arte, que compõem as exposições permanente e temporária do espaço. Os trabalhos foram produzidos por 17 artistas, entre instalações, esculturas e intervenções. São as obras: “Contato”, de Hugo Bello e Jaíne Muniz (ES) “Estados Originários”, de […]
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Essa imagem me diz muito. Uma fotografia que fiz quando estive em Brasília para uma reunião da Capes, em agosto de 2019. Saindo do hotel e caminhando em direção ao local da reunião, havia uma escada que dava acesso a um pátio de estacionamento de um shopping. Aquela simetria, no diálogo entre luz e sombra, […]
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A pergunta não é por exemplo, como surgiu o saci, ou o que é o saci, mas: o Saci existe? Assim, talvez sem uma prova ou autenticidade do ser, não devêssemos nem falar de saci. Eu falei acima que esta e uma pergunta de bolso, por isso respondo sempre a queima roupa: se palavra existe, logo...
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Por aqui há uma espécie de faísca, não chega a ser um inferno inteiro, e notei que passei os últimos dias buscando preencher essa saudade coletando imagens nos meus trajetos pela cidade, nas coisas que tenho lido e visto.
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Se destacam os trabalhos de povos aborígines da Austrália, sob curadoria de Bruce Johnson-McLean. O curador escolheu trabalhos de indígenas da região de Papunya, desenvolvidos a partir da década de 1970 por incentivo de um professor de ensino médio que convidou seus alunos a criarem murais baseados nas histórias aborígenes.
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Cosmos de escolhas, que desencadeiam nossas margens. Passando pelo retrato de Dorian Gray, pelos enredos de Wim Wenders, o artista sinaliza seu tempo ao contornar a sombra projetada (pela luminosidade da cor), mas também, pela conceituação do que somos enquanto criaturas vivas consumidas pelo tempo em experiências singulares, entre o Eu e o Outro.
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Há pouco escutei de um artista e pesquisador da cultura brasileira, Antônio Nóbrega, que a «arte diverte educando ou educa ensinando». Sabemos da importância da conexão entre a arte e a educação, principalmente se as tomarmos em suas acepções mais amplas: a arte como «fazer», como experiência, e a educação no sentido dos antigos gregos, […]
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Em “Anatomia de uma queda”, de Justine Triet, somos confrontados com uma atordoante história de amor. O filme nos inquieta por ser excessivamente real, sem pirotecnias ou excessos. O que impacta é justamente a presença de algo fundante em qualquer relação de amor: o ressentimento. Há a marca de uma história que atravessa os anos com suas dores, alegrias e traições. E há amor – com tudo que o amor abriga de horror. O filme descortina essa dimensão terrivel que se infiltra no cotidiano de forma subreptícia, revelando que em toda parceria amorosa e sintomática há sempre algo também daquilo que Jacques Lacan chamou de “amódio”. Parte do filme acontece em um tribunal, mas não se trata de grandes mistérios e reviravoltas: o grande enigma é mesmo a escrita de uma vida. Ali, como acontece na vida, não há separação estanque e fixa do que usualmente se nomeia realidade ou ficção. Há camadas diversas de questões: a maternidade, a paternidade, a queda como abalo imaginário da paixão frente ao insuportável do cotidiano, as ambiguidades que estão em jogo no amor, a raiva. Não há propriamente vítima e algoz e o que há de mais preciso no filme encontra-se encarnado na opacidade da deficiência visual do filho, com seus olhos turvos e sua sensibilidade. Mais do que revelar um crime, ”Anatomia de uma queda” é um filme que não oferece concessões ao que se escreve de uma história. A queda é também a surpresa que revira qualquer certeza e nos lembra de que, quando estamos imantados por aquilo que nomeamos “amor”, guardamos aí também algo de nossos delírios e fantasias fundamentais.
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Cuidar, cuidando Enquanto olha o ser olhado Eis o verbo cansado A ponto de virar sujeito Que transborda menos o si Para entoar o intuir de um horizonte em devir fresta “Paisagem como janela da alma”, não me canso de dizer Mas não aquela janela panorâmica Esgarçada pelo desejo de ser primeira pessoa do singular […]
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Sheyla descreveu seu grafite como portador de conhecimento, liderança e transformação, com linhas brancas em um fundo azul intenso. Sem título, esse grafite mergulha na abstração, se distanciando de suas obras figurativas anteriores. É um trabalho com forte viés gestual e, ao mesmo tempo, busca uma lógica através de um desenho marcadamente gráfico.
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O artista sabe que sua presença no mundo é um ensaio sobre seu desejo de ir além do discurso social insosso; das pequenas bandeiras para ganhar batalhas combinadas; dos destinos anódinos e confortáveis da palavra no blá blá blá…(.n),.. palavra imolada e entregue ao plágio do entretenimento voraz, ao objeto consumível e à pose quantificável pelo algoritmo, aos passos e fórmulas de uma psicologia do sucesso, quiçá à aceitação de uma obsolescência programada para a arte.
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Viver não tem explicação. E não saber dói. É neste o ponto, segundo Lacan, que desejo de saber se torna o horror de saber, ao se deparar com a falta de sentido para a vida. Mas é também aí, o ponto de possibilidade de virada, onde a vida em repetição pode ganhar margem para invenção. Margem de liberdade que vem com a grande responsabilidade de compor sua própria vida, escrever em tempo real a sua história.